El País

Crítica: La familia y uno menos.

  • Autor: Diego Salgado
  • Fecha:
The Extraordinary Tale

Lo mejor:
Su desenlace, congruente a poco que se piense con el grueso del metraje y capaz de otorgar visibilidad a un discurso silenciado aún hoy públicamente.

Lo peor:
A veces no percibimos estar ante una actualización del cine de los 90, sino ante su mera clonación.

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  • Género: Comedia dramática
  • Fecha de estreno: 25/07/2014
  • Director: Laura Alvea, Jose F. Ortuño
  • Actores: Aïda Ballmann (Ella), Ken Appledorn (Él), Mari Paz Sayago (madre de ella)
  • Nacionalidad y año de producción: España, 2013
  • Calificación: No recomendada menores de 16 años

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En su número del pasado 25 de junio, la revista gala Les Inrockuptibles se preguntaba si han vuelto al panorama sociocultural los años noventa, que para el pensador François Cusset estuvieron poseídos por el espíritu "del fin de todo y el comienzo de cualquier cosa". En lo relativo al cine, es cierto que a principios de aquella década surgió un número considerable de películas caracterizadas por un tono de fábula siniestra, una ambientación elaborada y sincrética deudora de todo el siglo transcurrido, el recurso a un cierto expresionismo audiovisual que ponía un ojo en el cine mudo y el realismo poético y otro en las estéticas de la publicidad y el videoclip, y un ansia por enfrentar las ajadas y opresivas constantes del mundo exterior a la sensible subjetividad de sus protagonistas.

Nos hallábamos, en definitiva, ante la plasmación cinematográfica de la posmodernidad, que materializaron títulos como La piel que brilla (1990), Delicatessen (1991), Johnny Suede (1991), La vida bohemia (1992), Léolo (1992), La madre muerta (1993) y Cronos (1993). Una tendencia que desembocaría, como todas, en un monumento a la superficialidad, la grandilocuencia y el manierismo, en este caso amelia (2001). Además, el gran éxito de Jean-Pierre Jeunet se estrenaba en 2001, año en que los atentados del 11-S truncaban cualquier posibilidad de renovación verdadera o aparente, al cobijarse Occidente en una burbuja de miedo conformista y sumisión al bienestar material. El estallido de dicha burbuja vuelve a despertar la esperanza de cambios tangibles en un contexto tanto o más estimulante que aquel del Fin de la Historia decretado por Francis Fukuyama tras la Caída del Muro de Berlín.

En 2014, tiene por tanto especial interés el estreno de una producción independiente tan peculiar como The Extraordinary Tale of the Times Table, título completo de este primer largometraje de ficción de José F. Ortuño y Laura Alvea, ambos con una larga y variada trayectoria en el ámbito del audiovisual. En palabras de los propios Ortuño y Alvea, The Extraordinary Tale es "una comedia negra, un cuento de hadas oscuro sobre el amor, el matrimonio, la maternidad y la muerte", que formaliza semejante ambición de acuerdo con todas las características descritas para títulos de hace veinte años.

Los protagonistas de la película son dos solitarios, un hombre y una mujer a los que la vida no ha tratado demasiado bien, y que, como consecuencia, han desarrollado personalidades solitarias, peculiares. Sin embargo, cuando se atreven a afrontar juntos el amor, lo hacen dando pábulo a una idea de la familia no solo tradicional, ajena a la contemporaneidad, sino también perniciosa para sus temperamentos, que deben parte de sus taras -al menos en lo que a ella respecta- a una infancia marcada precisamente por el afecto envenenado de una madre viscosa y ordenancista. De esta manera, lo que empieza siendo un cuento pintoresco y jovial, una película romántica de y para misántropos, va transformándose según pasan los minutos en un drama íntimo de alto voltaje lindante con el terror psicológico, que se solventa de acuerdo a un relativismo moral como mínimo polémico, en torno a un tabú habitual en el cine.

La puesta en escena de The Extraordinary Tale subraya esta idea de relato soñado que acaba convertido en pesadilla mediante una primorosa ambientación en interiores que no ocultan en ningún momento su condición de decorados; una fotografía asimismo escenográfica, que redefine y esculpe secuencia a secuencia tanto los espacios como los estados anímicos; y una realización y un montaje ostentosos, sin miedo a las simetrías y las aliteraciones, a la cámara lenta o a las imágenes aceleradas. Así se consigue, por otra parte, disimular en lo posible que la película parece en ocasiones un cortometraje extendido hasta los ochenta minutos, y que ha contado con un presupuesto exiguo.

En resumidas cuentas, toda una rareza; una propuesta que permite empezar a ver el cine de los noventa desde una perspectiva histórica, y que actualiza el legado de aquellos años para un mundo en el que los arrebatos cándidos y líricos de la cámara ya no pueden servir a otro propósito que el de golpear al espectador con más fuerza todavía que las imágenes al uso.

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